Películas españolas: Abre los ojos

Abre los ojos
Dirección: Alejandro Aménabar
Estreno: 1997
Duración: 117 minutos
Género: Thriller psicológico
Actores: Eduardo Noriega, Penélope Cruz, Chete Lera, Fele Martínez, Najwa Nimri











Abre los ojos es una película dirigida por Alejandro Amenábar estrenada en 1997.

Cuenta la historia de César, un joven guapo y seguro de sí mismo que utiliza su belleza para conseguir todo lo que quiere, para disfrutar de la vida. Liga con muchas chicas y las deja plantadas al día siguiente. Lo caracteriza la falta de consideración con los demás, sobre todo con su mejor amigo.

Enseguida, César está encarcelado en un hospital psiquiátrico y que tiene problemas mentales importantes que un psicólogo intenta arreglar. Descubrimos que se sospecha que César ha cometido un asesinato.

Por eso el protagonista explica al doctor su vida antes de acabar en el hospital. Habla de su fiesta de cumpleaños y menciona a Muria, una ex novia de César con la que se ha acostado varias veces y que todavía está enamorada de él, pero al chico le importa poco ya que es poco respetuoso con las mujeres. Intenta ligar con la amiga de su amigo a pesar de que sabe que Pelayo está enamorado de ella pero no se atreve a decírselo.

Al día siguiente, Muria (que estaba espiando a César) le propone llevarlo a casa en coche y movida por los celos provoca una accidente en el que muere y César queda desfigurado, pierde su única cualidad, su belleza. Descubrimos cúando y por qué acaba en un hospital psiquiátrico gracias a sus recuerdos y a sus divagaciones.

A principios de la película, ya me parecía que yo iba a entrar en un universo muy especial. Amenábar explora el tema del sueño, el déja vu, la confusión entre el sueño y la realidad. Desde el principio, con la introducción de la película marca la pauta y destaca la importancia del título, el comienzo es realmente muy interesante.

Amenábar basa su película en las oposiciones y la transición violenta entre los flash backs de su vida de antes, una vida alegre de joven despreocupado que sólo tiene que preocuparse de las chicas, de las fiestas y de pasarlo bien con su amigo; y su vida actual en el hospital psiquiátrico.

La transición más violenta en tanto en cuanto hay un conflicto entre el sueño y la realidad, y la locura gana terreno a la razón de César.

Para citarle, dijo : “Me gusta el suelo, es lo único que me parece real. - Y lo demás, que te parece ? Lo demás es mentira, todo esto me parece mentira.”

Este mezcla entre la realidad y el sueño alcanza más al espectador gracias a los muchos flash backs del cineasta que intenta que estemos confusos. De vez en cuando, una escena posterior al sueño que nos parece real, resulta ser un sueño también.

El cineasta también explota temas transcendentes, con preguntas para incitarnos al pensamiento y discusiones filosóficas sobre el amor, qué es la felicidad, la relación con Dios, etc.

Pero el tema más importante en la obra es la belleza, la importancia que se le da al físico. César es lo que es gracias a su físico, cuando se encuentra feo, pierde todo incluso su razón.

La película habla de la vida de alguien después de un traumatismo, una minusvalía y plantea la cuestión de las razones y las maneras de seguir viviendo con normalidad después de un accidente. Hay que superarlo y seguir disfrutando de la vida.

Es una lucha entre la esperanza y el despecho.

En cuanto a las maneras de filmar de Amenábar, simplemente crea arte. Crea ambientes poéticos como el reencuentro entre César desfigurado y Sofia disfrazada de mimo bajo la lluvia en un parque, una escena muy preciosa.

Crea efectos muy interesantes vinculados al título de su película, unos efectos visuales, sobre todo de claroscuro, de juegos con las sombras, los colores y la máscara que César emplea para ocultar su fealdad.

El final es muy perturbador, pero muy interesante. No es de esperar. En la segunda mitad de la película, la historia es cada vez más confusa, ya que es César el que la cuenta, con sus recuerdos rotos. En las escenas “reales”, en las que vemos al psicólogo, entedemos que vuelve cada vez más loco sin saber realmente lo que ocurre, pero se explica todo al final de la obra. El misterio juega un papel clave y se consigue con elementos surrealistas. Para terminar con elegancia, se ve que el sueño tiene una preponderancia aún más importante que lo que se hubiera podio imaginar, y es muy perturbador porque las únicas escenas en las que podíamos apoyarnos, las escenas que parece pertenecer a la realidad y no a los recuerdos de César no son tan reales como parecen. Un final muy logrado.

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Películas españolas: Volver y Hable con ella

Volver
Dirección: Pedro Almódovar
Estreno: 2006
Duración: 121 minutos
Género: Drama

Actores: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo

Otro clásico del cine español y otra obra maestra de Almodóvar, mucho más reciente ya que se estrenó en 2006, cuenta una historia que parece anodina pero que es muy atípica y muy complicada, el relato de los avatares de la vida de una familia española destrozada. Cuenta las peripecias de la vida de Raimunda, y de su familia, su novio Paco, su hija Paula y también su hermana Soledad, su madre Irene, su tía Paula y de todas las vecinas del barrio. 

Los valores familiares y de amistad son importantísimas en Volver. Pero la vida no va a ser fácil para Raimunda porque su tía que está perdiendo la cabeza va a morir, una de sus amigas va a enterarse de que tiene cáncer y sobre todo, su novio Paco, que es un fracasado inútil, alcohólico y perverso ya que su hija le excita, va a morir. Paula lo matará con un cuchillo de cocina protegiéndose, para evitar que abuse de ella. Raimunda tendrá que hacer frente a todos esos problemas, más la falta de dinero, y seguir viviendo normalmente con su hija sin despertar las sospechas de las chicas del barrio y de su familia tras la desaparición de Paco.

Descubrimos también que la familia de Raimunda se apoya en mentiras y secretos que poco a poco se revelan a las protagonistas.

Como de costumbre, esta película de Almodovar tiene muchas alusiones al sexo, a menudo sórdido. El tema del incesto está muy presente en Volver, con la relación malsana entre Paco y su hija, también con voyeurismo cuando su hija se quita la ropa por ejemplo. Un incesto que culminará con la muerte de Paco.

Pero el sexo es omnipresente con interacciones con el espectador. Así, una perspectiva en picado cuando Raimunda friega los platos permite ver su escote profundo, o podemos ver a Raimunda ir al servicio, pequeñas escenas particulares que recalcan la noción de sexo malsano, de voyeurismo y de incesto.

Mi teoría sobre el juego de colores de Almodovar se confirma en Volver con el uso recurrente del color rojo, predominante en muchas escenas, en los medios de transporte, etc.

El malestar y la tristeza están presentes en toda la película. Al principio vemos una familia con problemas de dinero, de comunicación, con un hombre perezoso, alcohólico, un patán perverso, con desviaciones sexuales, y después ocurre el asesinato, la muerte, el cáncer, y al final también se revelan otros secretos familiares malsanos. Todas esas fuentes de tristeza y malestar crean un ambiente sórdido.

Pero por otro lado, la esperanza perdura, Raimunda lucha para superar sus problemas, y la importancia de la familia, de la amistad y de la ayuda mutua entre las vecinas que se echan una mano aunque todas tienen problemas. Hay también escenas humorísticas, más alegres.

Así que del ambiente siniestro surgen la esperanza y la amistad, y las mentiras, secretos, problemas familiares se convierten en verdad y perdón, con escenas muy emocionantes, impactantes, como la escena en la que Raimunda canta una canción que le enseñó su madre de pequeña mientras que está la escucha escondida en un coche; porque ya no se hablan desde hace mucho tiempo.

La historia es absorbente, me interesé por la vida de las protagonistas y por su evolución después del asesinato, me pregunté cómo lograron superar todos los problemas.

Pero a pesar de todo, la película se alarga. Tras la acción en el principio, me aburrí un poco hasta que el final se puso un poco más interesante con unas revelaciones asombrosas.

Creo que si esta película ha sido puntuada con un 7, también es gracias a la actuación magnífica de Penelope Cruz.

                                                               

Hable con ella

Hable con ella
Dirección: Pedro Almódovar
Estreno: 2002
Duración : 112 minutos
Género: Drama

Actores: Javier Cámara, Darío Grandinetti, Leonor Watling, Rosario Flores

Para acabar con la presentación de las películas de Almodovar, vi una última que se llama Hable con ella, una película mucho más seria, más madura estrenada en 2002. El tema principal es el el coma y las relaciones de las personas que tienen un allegado en ese estado tan incierto, tan inestable. ¿Cómo reaccionar ante una persona que parece estar muerta pero que todavía no lo está? ¿Sirve de algo hablar con ella, o no?

Para resumir brevemente, cuenta la vida de dos hombres, Benigno y Marco, que al principio no se conocen pero que van a tener algo en común, ambos van a conocer a una mujer en coma. Se encuentran finalmente en el mismo hospital y van a ser amigos. Benigno, un enfermero que se ocupa de una chica desde hace cuatro años va a compartir su experiencia con Marco.

Pero a lo largo de la película, veremos que Benigno es un personaje complejo, tan simpático y afectuoso como raro, que tiene problemas en sus relaciones con las mujeres. Vamos a descubrir poco a poco su vida, su amor muy especial hacia la persona en coma antes de que empiecen los problemas.

Se trata de una película mucho más lenta que otras de Almodovar en la que la importancia se centra en los sentimientos, las emociones y la psicología de los protagonistas frente al desconocido del coma. Benigno habla con Alicia, la chica en coma, como si ella lo entendiera todo. Pero Marco no sabe como reaccionar, ya que no puede tocar a su novia, Lydia, es incapaz de ayudar a las enfermeras y se siente muy egoista.

La película es bastante larga pero con una cronología que no es lineal. Primero, estamos en el presente, después nos adentramos en el futuro, y finalmente hay un flash back, tras el que regresamos al presente otra vez pero es un recuerdo de Benigno que completa una escena previa. Almodovar crea una cronología que le permite dar al espectador solo poca información y lo hace esperar para entender toda la historia.

Una vez más, el sexo está muy presente, otra vez de manera bastante malsana, no voy a dar un spoiler de una escena importante de la película pero una vez más se tratan de relaciones sexuales raras, anormales entre personas, un tema muy del gusto de Almodovar.

Hay que mencionar que se trata de una película típicamente española, como todas las de Almodovar pero está particularmente con la importancia del arte de la tauromaquia, Lydia era una torera y estuvo en coma por culpa de un accidente con un toro cuando estaba torreando. Creo que Almodovar intenta representar el arte de la tauromaquia, con escenas al ralentí. Se parece a un baile, un baile violento tanto por el toro como por la torera.

Además, parte de la historia tiene lugar en Andalucía, concretamente en Córdoba, como deja ver el acento de algunas actrices de la película.

Se trata de una película mucho más seria, que carece de la locura y del kitch típicos de algunas obras de Almodovar, pero se trata también de una película más lograda, más madura que alcanza al espectador, con dilemas morales, que va más allá de los límites del amor tradicional, una película muy emocionante, en la que esperanza y desesperanza casi se mezclan, y una obra que merece la pena ver.

                                                                  

Para ver o descargarse Volver, pulasar aquí y pulsar aquí para Hable con ella.

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Películas españolas: Mujeres al borde de un ataque de nervios

Durante las semanas que quedan antes del fin del semestre, voy a analizar películas importantes de la cultura española. Empezaré con unas obras de Pedro Almodóvar, uno de los cineastas más emblemáticos del cine peninsular.

  
Mujeres al borde de un ataque de nervios
Dirección: Pedro Almódovar
Estreno: 1988
Duración: 88 minutos
Género: Comedia
Actores: Carmen Maura, Antonio Banderas, Julieta Serrano

Empezamos con “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, una película estrenada en 1988 cuyo tema principal es el amor y sobre todo su lado oscuro ya que se trata del amor no compartido y de la tristeza de las relaciones complicadas.

Los protagonistas son Pepa e Iván que acaban de romper, aunque ambos trabajan todavía en la misma empresa de doblaje. Iván es un cobarde que no se atreve a ver a su ex novia, mientras que a ella le gustaría verlo y hablar con él cuando vaya a recuperar su equipaje. Y como Iván no se atreve a aparecer, la chica con mucho carácter empieza a enfadarse. Pero hay más, con Candela, la amiga de Pepa que también tiene problemas relacionados con el amor ya que confió en un hombre que resulta ser un terrorista y tiene miedo de ser acusada de complicidad. Cuando aparece otra ex novia de Iván que tiene problemas psicológicos y que quiere vengarse de él, y el hijo de Iván del que Pepa no sabía nada y que aparece en su vida por casualidad, todo el mundo se vuelve loco.

El guión no es innovador, se trata simplemente de una historia de amor, de un mujeriego cobarde y de mujeres con el corazón roto, también de secretos e incomprensiones, del amor complicado. Lo interesante es como Almodovar usa ese tema para crear una historia que nos interesa, con mucha cambios y revelaciones, y con tantas coincidencias que de vez en cuando, lo grotesco de las situaciones hace que sean divertidas. Una historia con gente tan loca como atrayente, tan estereotipada como real. Una historia emocionante y palpitante. Aunque el principio puede resultar anodino, merece la pena verla.

En cuanto a la manera de rodar la película, los títulos de crédito ya marcan la pauta, muy kitsch y muy colorida. Por ejemplo, aunque se trata de una película estrenada en 1988, no creo que se pueda encontrar muchos “taxis mumbo” en aquella época (con asientos de piel de leopardo, música mambo, un conductor loco y muchos adornos y muchas cosas que alquilar y comprar en el taxi, cigarillos, revistas, etc.)

Me parece que a Almodovar le gusta mucho jugar con los colores. Emplea muchos colores vivos en su película, sobre todo el rojo, el color del amor pero también de la violencia. Observé que hay una predominancia del rojo muy intenso, la ropa de Pepa es roja casi todo el tiempo, así como muchos objetos importantes como el teléfono, utensilios de cocina, o un primer plano de tomates muy rojas que sirven para el gazpacho, un elemento importante en la película, etc.

Su manera de filmar algunas escenas tambíen es interesante, como ocurre con la escena en que Pepa da vueltas y vueltas y solo se ven sus zapatos con tacones de aguja, porque en general se ve la persona de pie con su cara para señalar su impaciencia, estrés, etc.

Una técnica cinematográfica que me gusta mucho es la escena en que Pepa tiene que doblar una película de amor pero con la voz de Iván que ya dobló su parte. Así pues, Pepa e Iván se amaban pero Iván rompió con ella. Y como trabajan en la misma empresa, ambos tienen que doblar una película cuyos protagonistas también tienen una relación complicada a punto de acabarse. Y como Iván ya dobló su parte, Pepa oye y vive otra vez la despedida de Iván, lo que la entristece mucho. Este procedimiento de cajas chinas (la ruptura dentro de la ruptura) es muy ingenioso.

Concluiré la análisis diciendo que se trata de una película sencilla, sin efectos especiales y todo pero muy interesante, que crea su propio mundo, su lógica propia y con acciones y revelaciones que hacen que sea apasionante desde el principio hasta el final.

Pulsar aquí para ver o descargarse Mujeres al borde de un ataque de nervios.

Super Size Me ! - Parte II

 Ahora vamos a descubrir los efectos del régimen hipercalórico de Morgan Spurlock, el héroe del documental Super Size Me.

Recordamos que el protagonista estaba en plena forma, con una condición física óptima, y después del seguimiento médico, pesaba 84 kilos.

* Después de 5 días, ya coge 5 kilos.

* Después de 7 días, siente una presión en el pecho, no se trata de dolores sino de una presión que le molesta un poco.

* Después de 9 días, la comida basura acarrea consecuencias psicológicas puesto que el héroe no tiene ánimos sin razón aparente ya que ha pasado un buen día. Siente esa sensación tan típica de los restaurantes de cómida rápida de tener hambre poco después de acabar de comer y de tener ganas de comerse otro menú.

* Después de 12 días, coge 7.7 kilos. Como come mucho más que lo que su cuerpo necesita, su dietista empieza a preocuparse.

* Después de 18 días, le duele la cabeza y aparecen las migrañas. Otras pruebas médicas demuestran que su cuerpo carece de casi todas la vitaminas importantes (una falta de más de 50 % de las necesidades del metabolismo)

* Después de 19 días, su excedente de grasa se ve claramente y su tasa de colesterol es de 2,25 mientras que era de 1,65 antes de empezar el régimen. Además, tiene el hígado inflamado. El médico general dice que si se hubiera tratado del hígao de un alcólico, ya no funcionaría.

* Después de 21 días, se despierta durante la noche a causa de las dificultades para respirar. Le parece que tiene palpitaciones. Para primera vez, su tasa de ácido úrico es demasiado alta, con riesgos de cálculos renales.

* Después de 29 días, le resulta difícil bajar las escaleras.

Finalmente, después de un mes, coge 11 kilos y llega a pesar 95,25, y su tasa de colesterol aumenta      0,65 g/l. El porcentaje de su masa corporal pasa del 11 al 18 %. Acabado su régimen, el héroe tiene doble riesgo de padecer de insuficiencia hepática y de problemas cardíacos.

Los camareros propusieron el menú SuperSize 9 veces a Morgan.

Necesitó 5 meses par perder 9 kilos, y 9 meses más para recuperar su peso "normal".

En 2004, el Congreso americano ratificó una ley que prohíbe a los obesos llevar las empresas de alimentación ante la justicia.

Seis meses después del estreno de su película, la cadena Mc Donalas anunció que el menú SuperSize iba a desaparecer de sus restaurantes, pero subrayó que esa desición no tenía nada que ver con el documental.

Super Size Me ! - Parte I

Super Size Me (Súper Engórdame en Hispanoamérica)
Dirección: Morgan Spurlock
Estreno: 2004
Duración: 96 minutos
Género:  Documental
Actores: Morgan Spurlock

 

Hace mucho tiempo que quería ver esa película y aproveché la oportunidad de tener un blog que mantener para analizar esta película didáctica . Se trata de un documental estrenado en 2004 pero basado en un tema todavía muy importante hoy en día ya que plantea un problema que está afectando nuestras sociedades más que nunca, el de la comida basura, de los restaurantes de comida rápida así como la obesidad y las enfermedades relacionadas con la mala alimentación que afectan cada vez a más gente, sobre todo a los niños.

Así pues, la película nos informa de que entre 1980 y 2004, el número de obesos se dobló en Estados Unidos, y de que la comida basura se convirtió en la segunda causa de muerte en el país, tras el tabaco, alrededor de 400 000 personas mueren cada año a causa de problemas relacionados con malos hábitos alimentarios. Al mismo tiempo, McDonalds tiene más de 30 000 restaurantes en todo el mundo, en su conjunto que alimentan a más de 46 millones de personas cada día, lo que supone casi la población total de España (47,1 millones en 2010).

El protagonista del reportaje quiere descubrir si la comida basura realmente es perjudicial para la salud, y para comprobarlo, decide desayunar, almorzar, comer y cenar en McDonald's durante un mes.

Su experiencia se basa en cuatro reglas que no puede infringir:

1) Debe hacer sus tres comidas diarias sólo en el McDonalds.

2) Debe elegir únicamente alimentos que están en la carta del restaurante, agua incluida.

3) Debe probar todo lo que hay en el menú, es decir elegir un menús diferente cada vez que sea posible.

4) Debe elegir el menú "Super Size", el más grande (una bebida de casi 2 litros y una bolsa de patatas fritas enorme) cade vez que se le ofrece.

Además, tiene que respetar el número de pasos que da un americano medio, es decir 5000 (la media es 2500-3000 pero depende de la región) y coger un taxi cada vez que sea necesario para no superar nunca el límite.

Por supuesto, se establece un seguimiento médico para seguir la évolución de su régimen con la ayuda de profesionales, un cardiólogo, un gastroentérologo y un médico general además de una dietista y un entrenador deportivo. Se le hace un chequeo antes de empezar su aventura y se concluye que tiene muy buena salud, que es un deportista por encima de la media norteamericana, que no tiene problemas de sobrepeso, etc.

Tras ello, el protagonista empieza con su nuevo régimen hipercalórico y graso para descubrir los efectos de la cómida basura en el organismo humano.

Unas de las preguntas planteadas antes de comenzar son:

- ¿Es razonable comer en ese tipo de restaurante, y tan peligroso para la salud?

- ¿Con qué frecuencia se puede comer en tales restaurantes?

-¿Dónde empiezan la responsabilidad personal y la del restaurante, en cuanto a los alimentos nocivos?

¿Qué opináis vosotros antes de ver el documental? ¿A vuestro juicio, que va a ocurrir, como va a afectar al organismo del "conejillo de Indias"?

House - Comparación entre la versión original y española de un capítulo

 Como lo habíamos mencionado unas semanas, sería una buena idea comparar la versión original y la adaptada al español de una serie conocida, un trabajo interesante tanto desde el punto de vista del aficionado al mundo visual como desde el punto de vista del traductor.

Elegí la serie House, que no es necesario presentar. Concretamente, escogí el capítulo quince de la séptima temporada, con el título en versión original  (Bombshell) que en español es "Bombazos" y en francés "Comme dans un mauvais film...".

Ya se puede analizar un poco la traducción del título en los diferentes idiomas. Por regla general, se puede decir que las adaptaciones francesas se alejan más de la versión original, los traductores se toman mucha libertad, mientras que las traducciones españolas siguen más la versión original.

Los ejemplos más representativos conciernen a nombres de series inglesas que a menudo se traducen al español y al francés. Así ocurre con la archiconocida serie y ahora kitsch "Alerte à Malibu" que en español se llama "Los vigilantes de la playa", nombre más cerco al original inglés "Baywatch". Otro ejemplo es "Mon oncle Charlie" cuya versión original es "two and a half man" y que ha sido traducida al español literalmente como "Dos hombres y medio".

En el caso de House, los títulos en español (bombazos) y en inglés (bombshells) se parecen, y es interesante ver que ambas palabras tienen un doble sentido relevante en el capítulo, ya que hay elementos importantes como una bomba y proyectiles que causan una enfermedad. También se debe tener en cuenta el sentido figurado, dado que bombshell también hace referencia a un gran sorpresa, a una noticia sorprendente que hay al final, y que se transmite con acierto al español, ya que se puede decir de una noticia que es un bombazo (qui fait l'effet d'une bombe).

Del análisis de la serie he concluido que la versión española es algo más vulgar que la original, ya que se traduce "damn" por el vocablo español "joder". Esta traducción resulta demasiado atrevida si la comparamos con la francesa, ya que "damn" es una palabra cliché que en francés puede significar desde "zut" hasta "bordel". Del mismo modo, la palabra "bitch", que House pronuncia con amor y ironía, se convierte en "puta" en español, lo que resulta más frío. Hay una gradación en el insulto.

Hay un pasaje muy interesante en el que si no recuerdo mal, aparece una de las pocas frases, sino la única, que es totalmente diferente en inglés y en español.

El contexto es el de un policía que habla de una adolescente con agallas, que no duda en contestarle con ironía y dice en inglés "Mouth on that kid makes Mel Gibson sounds like Nelson Mandela". La traducción no tiene nada que ver : "La nena tiene una boca que deja a los camioneros a la altura del betún". La finalidad es la misma, explicar que la chica tiene labia y no tiene miedo contestar a los adultos, pero se pierde la referencia cultural entre ambos personajes, buenos oradores, pero el primero mucho más controversial que el otro más sabio. Por qué, no lo sé.

Por el contrario, me encanta la similitud entre las expresiones "I don't want to clean the mess" y "No quiero pagar los platos rotos". Esta frase la pronuncia el amigo de House, que dice que es muy probable que éste fracase lo que tiene que hacer y que no quiere tener que solucionarlo él mismo. Pero lo interesante es que ambos protagonistas bromean diciendo que siempre acaban comiendo tarta cada vez que uno aparece en la oficina del otro preguntando qué está haciendo. Así, las dos versiones tienen que respetar la referencia a la tarta porque después del diálogo, House explica ironicamente a una tercera persona que no se entera de nada que todavía James y House estaban hablando de tartas.

Así, se puede apreciar que siempre hay un equivalente posible para traducir un juego de palabras.

Para terminar, es interesante mencionar que en un fragmento se ve en la habitación de un adolescente enfermo, y en ella un libro con caras de sus compañeros de clase con apuntes malos que son amenazas morbidas importantes para la evolución de la historia. Así, se añade la lectura de los apuntes en voz alta y en español, para que el espectador entienda lo que ocurre.

No sucede lo mismo con otro pasaje que es un sueño de Cuddy, en el que se ve a House actuando en una comedia musical y se mantiene el inglés en las canciones, a pesar de que las letras de la canción se refieren directamente a la situación en la que Cuddy se encuentra, una situación bastante grave. No entender las letras no impide seguir el desarrollo de la historia pero creo que puede frustrar a los espectadores, ya que el sueño dura 4 o 5 minutos.

http://www.cuatro.com/house/Parece-mear-sangre-moda_0_1401459842.html

Para ver muchas series (como House) en español, pulsar aquí y en inglés o francés, pulsar aquí.